Pirms piecdesmit gadiem kāds salīdzinoši nepazīstams britu dramaturgs nosauca Toms Stoppars ar viņa lugas debiju apgrieza teātra pasauli kājām gaisā. Rozenrencs un Gildenšterns ir miruši ”. Absurda komēdija, kas risinājās galvenokārt visu laiku slavenākās skatuves drāmas malās — Viljams Šekspīrs 'Hamlets' — un kurā galvenā uzmanība tika pievērsta diviem ārkārtīgi maznozīmīgiem varoņiem, vienlaikus ierobežojot Hamletu, Ofēliju un citus tikai īsos uzstāšanās, izrāde bija pārdroši meditācija par tādiem reibinošiem jēdzieniem kā konflikts starp mākslu un realitāti un šķietami nenozīmīgo dabu. cilvēces, salīdzinot ar apkārtējā Visuma plašumu. Stoparda luga mainīja skatuves komēdijas spējas un kļuva gan par kritisku, gan populāru hitu. Neraugoties uz neapšaubāmiem panākumiem uz skatuves, tas bija tik ļoti teatrāls darbs, ka daudziem šķita, ka to nav iespējams pārnest no skatuves uz ekrānu un joprojām saglabāt aspektus, kas to darīja tik unikālu. Visbeidzot, Toms Stopards apņēmās izveidot filmu, ne tikai rakstot scenārija adaptāciju, bet arī debitējot kā režisors. Lai gan iegūtā filma izrādījās nevienmērīga, kad to izlaida 1991. gadā — galvenokārt tāpēc, ka Stoppars nespēja atrast veidu, kā pareizi pārvērst materiālu pilnībā kinematogrāfiskos pagriezienos —, pateicoties prasmīgajiem priekšnesumiem, tā neizpalika bez intereses. Gerijs Oldmens un Tims Rots (no kuriem neviens tajā laikā nebija īpaši labi pazīstams ASV) kā Rosencrantz & Guildenstern (vai tas ir Gildenšterns un Rosencrantz?) un Ričards Dreifuss kā Spēlētājs karalis, ceļojošas teātra trupas vadītājs, kurš, šķiet, ir vienīgais, kas var izskaidrot, kas notiek viņiem un skatītājiem, kas viņus skatās.

Tagad, lai atzīmētu filmas 25. gadadienu un lugas 50. gadadienu, “Rosencrantz & Guildenstern Are Dead” 12. janvārī atgriežas mājas videoklipā ar savu Blu-ray debiju, pateicoties RLJ Entertainment. Lai palīdzētu reklamēt iznākšanu, Oskara balvas ieguvējs aktieris Ričards Drifuss — tādas klasikas zvaigzne kā Amerikāņu grafiti ,” “ Žokļi ' un ' Trešā veida tuvās tikšanās ”— uz dažiem mirkļiem sazvanījās, lai pārrunātu savas atmiņas par filmu un darbu ar Stoppardu, Oldmenu un Rotu, runātu par pāris mazāk zināmiem favorītiem un atcerētos darbu ar nelaiķi kinooperatoru. Vilmoss Zsigmonds .

Ir pagājuši 25 gadi kopš filmas “Rosencrantz & Guildenstern Are Dead” filmas versijas pirmās debijas. Vai pēc tik ilga laika jums šķiet vieglāk vai grūtāk runāt par filmu un savu darbu pie tās?

Vienīgā reize, kad tas patiešām tiek darīts, ir tad, kad jautājumu uzdod neētisks žurnālists, kurš it kā ir tur, lai runātu par to, kāda ir jūsu jaunākā filma, un tad viņi kaut kā ieslīd: 'Nu pirms desmit gadiem jūs darījāt...' tev ātri jādomā un jāmēģina atcerēties, ko tu domāji. Es nekad īsti neesmu darījis tādu, kas būtu mērķtiecīgi un atklāti par manām bijušajām filmām. Lūk, es ar prieku to daru, jo tas atklāti un godīgi ir par manu agrāko darbu, un es ar lielu prieku cenšos to darīt.

Šajā filmā Toms Stopards ne tikai pielāgoja savu lugu ekrānam, bet arī to režisēja, un līdz šim viņš to ir darījis vienīgo reizi. Kā bija strādāt ar viņu, kad viņš gan atkārtoti apmeklēja vienu no saviem lielākajiem triumfiem, gan uzsāka jauna veida māksliniecisku darbu?

Pats labākais tajā bija tas, ka, kad cilvēki skatījās filmu “Rosencrantz & Guildenstern”, viņiem tas patika, jo tas bija smieklīgi. Bet tajā pašā laikā bija tūkstošiem cilvēku, kuri klusībā sev jautāja: 'Par ko ir šī luga?' Tas bija pelnījis šo jautājumu, jo atbildes ir patiešām nenotveramas. Tas, ko viņš darīja filmā, bija ļaut manam varonim Spēlētājam karalim būt par ceļvedi — varoni, kurš varētu vadīt citus aktierus un skatītājus. Viņš varēja iziet no izrādes un runāt ar skatītājiem. Viņš lika aktieriem un skatītājiem saprast lietas, kuras šie aktieri nevēlējās iedziļināties — ka viņi ir izrādē, nevis reālajā dzīvē, un ka viņi tiks nolādēti, lai viņi būtu šajā lugā uz visiem laikiem. Brīdī, kad tas beidzās, tas sākās un brīdī, kad tas sākās, tas beidzās, un viņi būs šajā cilpā uz visiem laikiem, līdzīgi kā Sartra filmā “No Exit”. Manuprāt, filma ir labāk uzrakstīta nekā luga. Es domāju, ka viņš patiešām atbild uz jautājumiem, kas rodas, redzot šo lugu — “Tas ir smieklīgi, bet kas notiek?” —, kurus jūs kaut kā baidāties uzdot skaļi. Es domāju, ka Toms filmā darīja, lai atrastu veidu, kā atbildēt uz šiem jautājumiem un darīt to, nepārkāpjot savu patiesības sajūtu.

Gerijs Oldmens un Tims Rots, protams, mūsdienās ir divi ļoti atzinīgi aktieri, taču filmas uzņemšanas laikā viņi lielākajai daļai amerikāņu auditorijas bija salīdzinoši nepazīstami. Kādas ir jūsu atmiņas par darbu ar viņiem abiem?

Es atceros, ka mēs visi bijām diezgan kautrīgi viens no otra. Es zināju Gerija reputāciju vairāk nekā Tima, un es ļoti labi apzinājos, cik izcils viņš ir kā aktieris. Es domāju, ka mēs visi bijām ļoti kautrīgi viens no otra, un tas bija tā, kā tas notika.

Vai, jūsuprāt, filma šodien spēlē savādāk nekā 1991. gadā, vai arī jūs domājat, ka galvenās tēmas un idejas gadu gaitā ir saglabājušās diezgan konsekventas?

Manuprāt, vienā ziņā tas spēlē labāk, jo skatoties var piedzīvot aizvēršanos un labāk to saprast. Es arī domāju, ka Toms kā režisors, iemesls, kāpēc viņš vairs nav strādājis par režisoru — nevis tāpēc, ka man būtu kaut kādas iekšējās zināšanas —, ir tāpēc, ka viņš saprata, ka viņš nav režisors un ka viņam nebija jēgas temps un laiks, ka lugai vajadzēja labi izstāstīt. Es to nejutu, kad to uzņēmām, bet, laikam ejot, skatījos filmu un sapratu, ka tā ir pārāk lēna un uzņemta ļoti meistarīgi, bet ne radoši. Es to saku kā cilvēks, kurš to zina par sevi, jo es neesmu režisors — es nedomāju, ka esmu režisors un man nav režisoram nepieciešamo prasmju. Domāju, ka Toms nonāca pie līdzīga secinājuma.

Gadu gaitā esat uzņēmis daudzas filmas, no kurām dažas ir kļuvušas par klasiku, bet dažas ir kļuvušas neskaidras. Vai jums ir kādi personīgi favorīti, kas, iespējams, nav tik labi pazīstami kā filmas “Žokļi” vai “Amerikāņu grafiti”, uz kuriem jūs vēlētos vērst potenciālos skatītājus?

Jā. Vienu filmu, ko es nofilmēju, kas man patīk un kas, manuprāt, ir histēriski smieklīga, sāpināja režisora ​​apjukums vai nespēja apzināties acu līnijas nozīmi. Kad redzat filmu “Let It Ride” (1989), jūs apzināties, ka kaut kas nav kārtībā, lai gan, iespējams, nevarēsiet pielikt pirkstu. Tas ir tas, ka aktieri neskatās pareizi un viņu acis nav saslēgtas uz pareizo aizkulises aktieri. Tas ir tāpēc, ka režisors neuzstāja uz pareizo acu līniju, un iemesls, kāpēc cilvēki uz to uzstāj, ir tāpēc, ka tas rada realitāti un nepieciešamo patiesību — augšā ir augšup un lejup ir lejā. Kad skatāties ārpus kameras, jums ir jāskatās pareizajā telpā. Es domāju, ka filmas režisors to nesaprata, un tāpēc jūs pastāvīgi izsit no sliedēm kaut kas, kas ir izslēgts, lai gan pati filma visos citos aspektos ir histēriski smieklīga. Es labprāt to būtu darījis ar režisoru — vai nu ar to pašu režisoru pēc atklāsmes, vai ar citu režisoru.

Man šķita, ka tas ir brīnišķīgs un ka tas nebija labi, es nevarēju jums pateikt, kāpēc. Tagad, kad cilvēki runā par šo filmu, esmu sākusi dzirdēt, ka viņi to ļoti ciena. Viņi man saka, ka viņiem patīk filma, un es domāju: 'Jā, kur tu biji, kad mums tevi vajadzēja?' Es nezinu, kāpēc bija tāda atšķirība, bet es atceros vienu komentāru, kas man par to ir palicis atmiņā, proti, ka tā bija viena no pirmajām filmām, kas atskatījās uz to mūsu dzīves periodu, kurā neviens nebija. bija atskatījies uz mūsu atmiņām par Vjetnamas karu un kultūras kariem, kad mūsu valsts sadalījās pilsoņu karā pie gaismas signāla. Tas ir tad, kad Mozus Vīns, šis personāžs, kļūst par savu. Viņš burtiski skatās kadrus un sāk raudāt, jo zina, ka tas bija labākais laiks viņu dzīvē, un tas bija tikai pirms piecpadsmit gadiem vai mazāk. Es nedomāju, ka kāds no studijas bija gatavs to izmantot vai pat saprata to pats. Es domāju, ka tas bija iemesls.

Šobrīd, kad mēs runājam, ir pagājušas pāris dienas kopš izcilā operatora Vilma Zsigmonda nāves. Redzot, kā viņš ieguva Oskaru par uzņemšanu vienā no jūsu slavenākajām filmām “Trešā veida tuvās tikšanās” (1977), man radās jautājums, vai jums ir kādi stāsti par darbu ar viņu, ar kuriem jūs vēlētos dalīties?

Es viņu mīlēju. Man likās, ka viņš ir vienkārši lielisks. Atceros, ka Vilmosam bija strīds ar kādu no ekipāžas locekļiem, un pāris nedēļu laikā tas uzkarsējās. Tā bija vienīgā reize, kad es sapņoju, strādājot pie filmas par filmu, pie kuras strādāju. Man nekad agrāk nebija tāda pieredze, un es piegāju pie viņa un teicu viņam, ka viņš ir daļa no pirmā — ka viņš ir daļa no sapņa par manu pašreizējo darbu. Viņš bija kāds, pret kuru es ļoti mīlēju. Reiz viņš filmēja reklāmu netālu no vietas, kur es Ņujorkā filmēju filmu “Makss Bikfords”, un mēs mēdzām kopā pusdienot. Mēs izgājām ārā, un viņš man parādīja savu komplektu — šo grezno komplektu, ko viņš izmantoja, lai uzņemtu šo neticami ikdienišķo produktu. Tas ir veids, kā visi kinematogrāfisti patiešām nopelna iztiku starp filmām. Vilmoss bija puisis, kuram vienkārši patika filmēt filmas. Viņam patika šaut, un viņš bija lielisks.